ACTUEL l'estampe contemporaine N° 21 avril 2021

Looking at the recent prints of David Maes, I had the feeling I was looking at the work of three different artists. One, David Maes, the print maker, a master printer and teacher of the arts of all multiples, lithography, dry point, copper plate etching - for whom the metier of print making is one of his subjects. More on this below. But another subject or motif is the human being, portraiture and the body, not in the the simple sense of likeness, but something deeper. A third motif is what I'd loosely call landscape, but again there is more to it. And finally, the complex relationship of the artist, the man himself, with all these motifs, these "themes," permeates the work.

David Maes, in various subtle ways, often even invisibly, puts himself in the frame. This is not narcissism; it reflects rather a sense of involvement. He is not distant from his subjects. His prints, because they are experimental in method and out-of-the-norm in printmaking, bring the artist subtly into the work. Almost all his prints have a self-referential quality, being "about," in addition to what they depict, the act and art of print making. Having mastered the straightforward print on a flat smooth plate, the square or rectangular, he has breached the square support, the neutral manner in which the plate means nothing; David Maes now prints on irregularly shaped and poorly surfaced pieces of industrial zinc. This interest began with a piece of found damaged metal. The shape of the plate, jagged and irregular, becomes, thus, part of the subject. Some of his images have a Japanese-like simplicity and the plate becomes part of the subject. The resulting print, with minimal image, is an abstract shape with "marks." The plate itself remains behind as a sort of two dimensional sculpture, which, if mounted in the same physical frame as the resulting print, would create a “monotype” on the theme of printing as process, the effects of chance, a one-off abstraction. David Maes' plates have his marks and those that chance and abuse left on them. The interplay is always interesting, evocative (but of nothing), lyrical (but without being beautiful.)

An additional tension comes when David Maes combines this printing technique with portraits. He is an intuitive portraitist, depicting not just the face, but something of the inner life of his subjects, most of whom are friends about whom he knows something more than bone structure. His portraits are heads only, without shoulders or bodies, without chairs or landscape features seen out the window in the background; the heads and faces are often only partially revealed. The images are formed on the distressed and irregular printing plates which gives them, as images, an additional component for the viewer to think about, to react to. It is as if the paper had been torn or burned. Are the persons scarred or damaged, or is the world in which they live a distressed and scarring place? Am I projecting? But it is the world that has changed. These images are often like scraps, partial faces, suggesting perhaps that society itself has lost its cohesion and may be distressed. In any case these images are challenging, somewhat unsettling. And they are superbly executed.

Cityscapes, the land, and the road are major interests for David Maes. He is a displaced Canadian, now a French citizen, with an enduring connection to great expanses of North America, an emotional thread which he explores through the memory of many drives along the major highway, the 401, between Montreal and Toronto. It is a landscape without features, without mountains, just woods, lakes, islands in lakes, and the road. Nothing salient there, but Maes has entered this bland space and has given it a subtle innerness, something in which one senses the presence of the artist. The mind and the hand too of the artist. David Maes has techniques in the working on a metal plate that makes the image look as if it were painted on with a watercolor brush. David Maes's skill with a the dry-point needle is extraordinary.

An image of islands with trees far off on a lake has an emotional content that is hard to define - and we need not attempt it. Printing these on the irregular plates is very effective: "found" plates, whether actually found or fashioned as if, seem perfect for capturing these snatched moments of landscape, glimpses from the road. These glimpses, however, are not like snapshots. They are clearly mediated by the mind and eye of an artist. Two of the most effective of these "scapes" are of cities, Montreal in wide view and an intimate glimpse of urban Toronto - cars emerging from a tunnel under a freeway, a cement truck in the line of traffic, a car turning left. Both these images are subtle and evocative of cities, their moods and realities; and they are clearly images captured by the mind's eye, not photographic or conventionally realistic. David Maes has put faces in these images, an avenue of experimentation which telegraphs a willingness to push the traditional limits of print making, not just of how the print is made but of mental states of the maker.

The viewer is struck by the artist's presence in the work, his empathy with his subjects in the portraits, his respectful regard for the natural world, and for men and women in that world.

Harvey Mudd,
Montaren, January 2021

En regardant les gravures récentes de David Maes, j’avais le sentiment d’avoir affaire à trois artistes différents. Tout d’abord, David Maes, le maître graveur et l’enseignant, pour qui l’intérêt pour l’art de la gravure ne se réduit pas à la seule maîtrise d’un métier. Puis l’artiste qui déploie à travers ses gravures son thème de prédilection, le monde réel, un monde constitué, pour faire simple, d’humains et de paysages. David Maes enfin, un artiste intéressé par la complexité de la relation entre l’artiste, l’homme lui-même, son métier et ses images. Le travail de David Maes témoigne, il me semble, de la tension – intéressante, intrigante - qui se noue entre ces trois facettes de l’artiste

De manière subtile, invisible parfois, David Maes s’invite dans le cadre. Pas par narcissisme, mais plutôt en réponse à un sens complexe de l’engagement. Il n’est pas distant de ses sujets. Presque toutes ses gravures ont une référence personnelle, un « à propos de soi », au delà de ce qu’elle dépeignent, au delà de l’art et de l’art de la gravure. En outre, parce qu’elles sont expérimentales dans leurs méthodes et en dehors de normes classiques, les gravures placent l’artiste au centre du travail. Après avoir longtemps respecté les codes traditionnels de la gravure sur une plaque lisse, carrée ou rectangulaire, l’artiste s’en est affranchi. Il grave maintenant sur des plaques de zinc industriel, aux contours irréguliers et à la surface endommagée. La forme déchiquetée de la plaque devient partie prenante du sujet. Il en résulte, à travers l’alliance entre la plaque elle-même et l’image gravée - une image souvent minimale - une forme abstraite avec des marques, la plaque demeurant en arrière-plan comme une sculpture à deux dimensions. Si la plaque était encadrée, elle deviendrait alors un « monotype » sur le processus même de la gravure comme effet du hasard, une sorte d’abstraction fortuite. Entre les marques infligées volontairement par l’artiste et celles laissées au hasard par les chocs et les coups s’installe un stimulant dialogue, à la fois dans sa dimension évocatrice (de rien de particulier), et lyrique (sans se vouloir beau ou esthétique).

Quand David Maes combine les techniques de gravure avec les portraits, une autre source de tension se manifeste. Portraitiste intuitif, ce n’est pas pas seulement les visages qu’il représente, mais quelque chose de l’intimité de ses modèles, la plupart étant des proches qu’il connaît au delà de la structure morphologique de leur visage. Têtes sans épaules ou sans corps, souvent partiellement révélés, sans arrière-plan, sans repères de la vie quotidienne, sans horizon. Réalisées sur des plaques irrégulières et cabossées, les images acquièrent une dimension supplémentaire qui invite à penser et à se questionner. Le papier a-t-il été déchiré ou brûlé ? Les personnes se sont-elles scarifiées ou blessées. Leur monde est-il à ce point un endroit de détresse et d‘effroi ? Ces images sont-elles comme des lambeaux, des visages partiels, suggérant ou signalant que la société a perdu sa cohésion et se déchire ? Ou suis-je en train de projeter ?

Toutes les images de cette séries sont exigeantes et déstabilisantes. Même les études de femmes nues et semi nues, exécutées sans sentimentalisme et sans idéalisation, n’échappent pas à cette règle. Les paysages urbains ou semi-urbains, la nature et la route représentent un autre centre d’intérêt majeur pour David Maes. Canadien d’origine, installé en France, devenu français, il maintient un lien inaltérable avec les grandes espaces d’Amérique du nord, fil émotionnel qu’il explore a travers le souvenir de ses trajets le long de l’autoroute 401, entre Montréal et Toronto. Paysages anodins, sans cachet particulier, sans montagnes, simples paysages de bois et de lacs, d’îles au milieu des lacs - et la route. Vastes espaces monotones que l’artiste, par sa présence, par son regard familier, colore d’une subtile intériorité et rend remarquables.

L’image d’une île boisée au fond d’un lac recèle une émotion difficile à décrire. Graver ce paysage sur une plaque irrégulière, qu’elle le soit intentionnellement ou pas, s’avère d’une grande efficacité, tant ce genre de plaque semble idéal pour capturer les brefs aperçus de la route ou les éclairs arrachés à la mémoire. Deux autres scènes représentatives dépeignent des vues urbaines de Montréal et du centre urbain de Toronto - des voitures émergeant d’un tunnel sur une autoroute, une bétonnière immobilisée dans un embouteillage, une voiture tournant à gauche. Les deux images fleurent bon l’atmosphère des villes, leur pesante quotidienneté, sans verser dans la photographie ou le réalisme au sens conventionnel du terme, sans en être des distorsions non plus. À travers elles, David Maes témoigne d’une volonté de repousser les limites de la gravure, au niveau technique bien sûr, mais plus encore dans la manière de capturer et de retenir quelque chose de l’état d’esprit de l’auteur. C’est un véritable effort que de mener de front ces trois thèmes : celui de la gravure, celui de l’être humain et du monde, celui de l’engagement émotionnel de l’artiste dans son travail et dans la relation à ses sujets. La tension est là, palpable, à la hauteur de l’exigence du dessein.

Au niveau strictement technique, les gravures sont superbement exécutées. L’habileté de l’artiste à manier la pointe sèche donne le sentiment que l’image obtenue a été peinte à l’aquarelle. Mais plus que de la dextérité, c’est l’empathie de David Maes avec ses modèles, son regard respectueux sur la nature, sur les hommes et les femmes de ce monde qui donne toute sa valeur à son œuvre.

Harvey Mudd
Montaren, January 2021
Traduit de l’américain par Sylvie Cavillier

© David Maes - ADAGP Paris 2024